“Nati tra il 1999 e il 2000 dal desiderio di Benedetto Vecchio di recuperare la tradizione musicale della propria terra, i Musicisti Basso Lazio vantano un articolato percorso artistico caratterizzato da una intensa attività live che li ha portati ad esibirsi in tutta Italia e all’estero, nonché da una ormai corposa produzione discografica nella quale spicca certamente il più recente “Tarantella Ribelle”. A distanza di tre anni da quest’ultimo, li ritroviamo con “Live in Aquinum”, disco dal vivo registrato durante il concerto del 30 luglio 2017, tenuto nell’area archeologica dei Aquinum, nel territorio di Castrocielo. In occasione di questo evento, voluto dal direttore degli scavi, il Prof. Giuseppe Ceraudo dell’Università del Salento, per rimarcare il profondo legame che la musica ha con il territorio, i Musicisti Basso Lazio hanno dato vita ad una loro nuova incarnazione, la MBL Orkestra composta dal frontman Benedetto Vecchio (voce, chitarre, mandolino), John Gianni Perilli (ciaramella, ciaramolla, sax, flauto traverso), , Gennaro Del Prete (chitarre), Marco Iamele (fiati, zampogna melodica, flauto dolce), Valentino Caprarelli (fisarmonica, zampogna), Alex Del Signore (basso elettrico, contrabbasso), Daniele Marinelli (percussioni, drum set), Americo Marinelli (pianoforte) ed impreziosita dalla partecipazione di Erasmo Petringa (violoncello). Composto da tredici brani, per lo più inediti ai quali si aggiungono alcuni classici del repertorio di MBL, il disco si caratterizza per la ricchezza e la cura del suono nel quale risalta l’utilizzo di strumenti della tradizione come la zampogna, la ciaramella e le tammorre nel dialogo con i suoni classici del vioncello e del pianoforte e quelli più moderni di basso elettrico e drum set. Dal punto di vista compositivo la scrittura dei brani attinge al repertorio popolare del Basso Lazio ed in particolare al ritmo della ballarella, declinandoli in una chiave contemporanea. Aperto dall’intreccio tra corde e percussioni di “Je te vulesse dà”, nella quale la critica al l’indifferenza si accompagna alla speranza per un futuro migliore, il disco ci regala subito uno dei suoi brani cardine la trascinante “Pizzica Brigante”, tutta giocata sul crescendo strumentale di voci, chitarra battente e tammorra. Si prosegue con il canto di lavoro “Sole Santo” che declina al futuro alcuni stilemi musicali e lirici della cultura contadina, e l’incursione nei territori del blues dell’inedito “Blue Sfus”. Lo strumentale “Monna Casale”, guidato dal dialogo tra pianoforte e corde, ci introduce poi a “Come na rosa” classico del repertorio di MBL che qui si giova dell’arrangiamento di respiro orchestrale. Il trittico con “Tammurriata per cello” con protagonista assoluto Erasmo Petringa, l’anthem “Tarantella Ribelle” e “Vogl’ girà gliù munn’” ci accompagnano verso il finale con lo strumentale “Trasparenze” che fa da preludio al ritmo accattivante di “Tarantella numerata” e “Balla cu me” altro classico del songbook di MBL. L’evocativa “Sulle Mainarde – Andò te ne vaje vent” suggella un lavoro che rappresenta certamente l’opera più compiuta di Benedetto Vecchio e i suoi MBL.”
Salvatore Esposito - Blogfoolk

Parte il 28 novembre 2018 la navigazione di ‘Magellano’ per l’Europa. Il progetto dei Khaossia, questa volta in forma di video-concerto, toccherà Parigi, Madrid e Ioannina (Grecia), e viaggerà grazie al prezioso contributo della Regione Puglia, di CNI e Look Studio, all’interno della Programmazione Puglia Sounds Export 2018.
La ciurma dei Khaossia è composta da Luca Congedo (flauti), Fabio Turchetti (voce e organetto), Vincenzo Urso (voce e chitarra), Hermes Mangialardo (visuals).
Ispirandosi liberamente alla Relazione del primo viaggio intorno al mondo del vicentino Antonio Pigafetta, lo spettacolo dei Khaossia nasce dall’interesse per l’esplorazione e la contaminazione. Il concerto, tratto dall’opera teatrale ‘Magellano’, ripercorre, attraverso le immagini e la musica, la cronaca del viaggio del navigatore portoghese, rievocando i momenti emotivi dettati dall’inquietudine, eterna sua compagna. Il tour europeo è la continuazione di un percorso intrapreso dai Khaossia nella tournée del 2014 nelle Filippine, proprio là dove Magellano concluse tragicamente la sua avventura.
Lo spettacolo, in forma di concerto, vede dialogare Musica e Videoart, linguaggi che si rincorrono, si mescolano e si contaminano, offrendo un’originale interpretazione del primo viaggio intorno al mondo. Musica e video sono interamente originali, ed i testi delle canzoni sono scritte nella loro quasi totalità in dialetto salentino, in un perfetto connubio tra stile tradizionale e World Music.
Durante la permanenza in Spagna, Francia e Grecia, l’ensemble avrà modo di presentare alle radio locali il suo cd pubblicato nel 2018, contribuendo così alla diffusione della musica originale salentina.
I Khaossia sono: Luca Congedo, flauti; Fabio Turchetti, voce e organetto; Vincenzo Urso, voce e chitarra; Hermes Mangialardo, visuals.
Le date della tournée:
28/11 PARIGI AU PETIT THEATRE DU BONHEUR, (6 Rue Drevet)
30/11 MADRID RINCÓN DEL ARTE NUEVO, (Calle de Segovia 17)
01/12 MADRID CENTRO SOCIAL ENTREVÍAS, (Callle Calero Pita 3)
14/12 IOANNINA BEATNIK, Anexartisias 121
15/12 IOANNINA UNIVERSITY OF IOANNINA

Tiziana Tavella su “Vivere”, l’inserto settimanale del quotidiano “La Sicilia”, ci parla del tour che Davide Campisi farà in Myanmar (ex Birmania) per rappresentare l’Italia al Festival internazionale di percussioni “Gongs & Skins”:
“Dalla Sicilia al Myanmar per costruire un ponte che ha per solida base il linguaggio universale della musica. Una “missione” che vede protagonista Davide Campisi, percussionista e cantautore ennese, che dal 31 ottobre al 13 novembre rappresenterà l’Italia al Festival internazionale di percussioni “Gongs & Skins”:in Myanmar (ex Birmania), assieme al musicista Luca Bruno, docente di percussioni al Conservatorio scuola di musica di Lugano. Il tour che durerà due settimane, organizzato in occasione del festival del Goethe Institut di Yangon, parte dalla straordinaria ricchezza delle tradizioni percussive, uno dei tesori intangibili del Sud-Est asiatico. L’evento musicale riunirà fra pochi giorni in Myanmar percussionisti di tutto il mondo che, oltre a presentarsi da solisti, sotto la guida dell’artista tedesco Bernhard Wulff, lavoreranno insieme allo spettacolo che andrà in tour nelle varie città del Myanmar. A volere Davide Campisi tra i protagonisti di questa edizione di “Gongs & Skins” è stato proprio Bernhard Wulff, professore di percussioni dell’Università di Musica di Friburgo e direttore artistico di numerosi festival di musica moderna e tradizionale tra cui quello internazionale di Musica Contemporanea “1000 Beats 2018” che si è svolto al Parco Archeologico di Selinunte. E’ stata in questa occasione siciliana che Campisi ha vinto il PYPR Innovation Lab, come miglior percussionista solista. Il lavoro di sperimentazione sul tamburo a cornice proposto dal percussionista ennese, basato sulla ricerca di forme sonore e tecniche espressive contemporanee, si inserisce così all’interno di un festival che celebra la storia delle percussioni in un contesto musicale internazionale di alto livello.”

Giovedì 15 novembre, dalle ore 14.00 alle 17.00, presso l’Aula Magna-Polo Didattico Luigi Bertelli dell’Università degli Studi di Macerata, si svolgerà l’incontro-dibattito “Per una storia della musica “leggera” fra discografie e diritti d’autore”, moderato dal Prof. Massimiliano Stramaglia (Professore ordinario di Pedagogia generale e sociale), con la partecipazione di:
Paolo Dossena (Amministratore Unico della Compagnia Nuove Indye, Editore, Autore e Produttore Discografico di fama internazionale) La trasformazione dell’industria musicale fra storia della Musica italiana e vita vissuta “in prima persona”
Manlio Mallia (Già Segretario del Consiglio di Amministrazione e Vice Direttore Generale della SIAE, Iscritto all’Ordine degli Avvocati di Roma) I diritti d'autore e il mercato digitale: quale futuro per la gestione collettiva?
Domenico Sisto Panetta (Musicista e A&R di Compagnia Nuove Indye) “Figli di Annibale”. La forza delle radici e la conquista dei produttori indipendenti
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La raccolta di musiche che compare in questi due album nasce dalla ricerca e dall’esplorazione del Maestro Paolo Lucci condotte sui repertori di ambito europeo: accanto alla statura indiscussa dei compositori qui rappresentati, vanno pure menzionate le ragioni del cuore e il legame affettivo che il Maestro e i suoi cantori nutrono per tutti i brani riprodotti, diversi dei quali in prima registrazione assoluta, sicuramente tra quelli cui la dedizione nel corso del tempo ha maggiormente segnato la storia ultraquarantennale del coro romano.
La passeggiata musicale si snoda lungo i due secoli adiacenti di musica, l’Ottocento e il Novecento: la disposizione cronologica degli autori (da Schubert a Stravinskij, Vol. I; da Hindemith a Davies il Vol. II) agevola la percezione di un discorso in costante evoluzione, anche grazie al passaggio dall’esecuzione di brani solitamente destinati alle compagini corali femminili (più di rado solo maschili), sia pure già presenti nella letteratura discografica in esecuzioni affidate alle voci bianche, all’avvento di raccolte e brani nati sin da subito per le voci infantili, e dunque già riferibili alla stagione moderna del suono vocale chiaro, nuovo e inconfondibile.

Oggi il M° Stelvio Cipriani ci ha lasciato. Questo è avvenuto dopo un lungo, lunghissimo periodo di vita mantenuta artificialmente. Siamo quindi naturalmente addolorati, e ci mancherà molto, ma allo stesso tempo felici che quel piccolo grande Maestro sia finalmente libero. Abbiamo avuto il piacere e l’onore di collaborare con lui. Lo scorso anno abbiamo pubblicato il suo ultimo album “Sognare Musica” che era anche il suo primo album nato senza l’esigenza di essere solamente una colonna sonora, un lavoro che abbiamo amato e che amiamo molto. Quindi vogliamo ricordarlo insieme alla sua Musica. con alcuni estratti dell’intervista che rilasciò a Ida Guglielmotti:

“A George, te pensa a sonà la chitarra, che ai film ce penso io”. La battuta di un film anni settanta in salsa romanesca? No, la sintesi di un incontro, a New York, tra Stelvio Cipriani e un signore che aveva suonato la chitarra in una band di ragazzi di Liverpool, noti al mondo come Beatles. Sì, è proprio a George Harrison che Cipriani batte amichevolmente la mano sulla spalla, uscendo da uno studio cinematografico, a New York, dopo essersi aggiudicato la scrittura per la colonna sonora di un film, per cui erano rimasti in corsa lui e l’ex-beatle. E lo liquida con quella frase degna del migliore Tomas Milian al tempo dei suoi poliziotteschi romani.
Ammettiamolo: se pensiamo ad “Anonimo Veneziano”, il nome che viene in mente è quello dell’autore della colonna sonora, più che quello del regista. E proviamo ad immaginare quella storia senza quella musica. Sarebbe stata altrettanto bella e ricordata nel mondo? Forse no e quelle lunghe sedute di introspezioni coniugali, in mezzo alle calli della laguna, tra il malinconico Musante e l’algida Bolkan, sarebbero state meno plausibili, coinvolgenti e romantiche di quanto generazioni di spettatori abbiano potuto apprezzare. In quel film la musica ha sovrastato potentemente il meccanismo di una sceneggiatura incastrata ad arte sullo sfondo di una Venezia scolorata e grondante grigiore e drammaticità. E allora pensiamo allo sforzo che ha dovuto fare il musicista per entrare perfettamente nel “mood” del film, a quante volte abbia dovuto vedere e rivedere quel racconto sofferto, per cogliere tutto lo struggimento dei protagonisti che si allontanano e si rincorrono, si amano e si detestano, per restituirlo in musica.
Invece, con leggerezza disarmante, il Maestro rivela la magia del suo mestiere: “Ma guardi che io il film non l’avevo mica visto! Quando mi hanno messo di fronte alla pellicola, su un divano comodo, con un cappuccino e un cornetto, io mi sono addormentato. Sa com’è, la notte non avevo dormito, avevo fatto tardi a cena con amici, poi l’ansia dell’incontro col produttore e col regista del film mi aveva tolto completamente il sonno, così sono crollato e mi sono svegliato sulla scena finale. Mi sono chiesto: “E adesso?”. Avevo poche ore per consegnare la musica e allora ho barato: mi sono fatto raccontare la trama e con una foto di un primo piano degli occhi di Florinda Bolkan, mi sono seduto al pianoforte, mettendo insieme le poche impressioni che avevo raccolto, prima fra tutte la sensazione dello scandire inesorabile del tempo. Il suono del metronomo sul mio piano riproduceva esattamente i battiti di un orologio immaginario e sono partite le prime note. Così è nato Anonimo Veneziano”.